Maîtriser le Pastel: Couleurs et Créativité

Le pastel, avec sa texture veloutée et ses pigments éclatants, offre un monde de possibilités infinies pour l'artiste. Pour ceux qui s'aventurent pour la première fois dans cette technique envoûtante, une question essentielle se pose souvent: quelles tonalités utiliser pour commencer et comment apprivoiser ce médium si particulier ? Loin des idées reçues, le pastel est un art de la subtilité et de l'expérimentation, où chaque trait et chaque superposition révèlent une nouvelle dimension.

Les Premiers Pas: Tonalités Claires ou Foncées pour Démarrer ?

La sagesse traditionnelle, partagée par la plupart des techniques picturales, y compris le pastel, suggère de commencer une œuvre par les tonalités claires ou légères. Cette approche n'est pas fortuite ; elle permet de diffuser une lumière initiale, comme une base lumineuse, qui pourra ensuite faire remonter des éclats de clarté à travers les couches de matière superposées. C'est un peu comme éclairer votre œuvre de l'intérieur, lui donnant une profondeur et une résonance particulières.

Inversement, débuter par des tonalités sombres peut présenter des défis. Le risque est d'obstruer l'horizon de votre composition, rendant difficile l'introduction de la lumière par la suite. Tenter d'éclaircir des zones foncées au pastel peut rapidement brouiller la matière et altérer la délicate texture du pigment. L'effacement, quant à lui, supprime le pigment et peut laisser le papier lisse, rendant l'accroche des nouvelles couches de pastel précaire et instable. La surface du papier, une fois lissée, ne retient plus la poudre avec la même efficacité, compromettant la substance et le velouté des couleurs.

Cependant, il est crucial de se rappeler que l'art est avant tout une expression de soi. Les « règles » sont souvent des guides plutôt que des lois immuables. L'agencement des couleurs est le reflet de la personnalité de l'artiste, de ses expérimentations, de ses tâtonnements et même de ses transgressions. Il n'existe pas une unique façon universelle de peindre au pastel, mais autant de manières d'expérimenter que d'empreintes digitales. Peindre, c'est exprimer le ressenti de sa sensibilité, se projeter dans un corps-à-corps avec le matériau pour donner chair à l'œuvre, selon sa propre vision. La main de l'artiste, prolongée par le bâtonnet de pastel, transmet directement les modulations des émotions au support, tel un pianiste avec son instrument. L'artiste est guidé par le monde aux couleurs de l'imaginaire que son inconscient lui impose, entrant dans une véritable farandole créative.

Le Crayon Pastel: Un Matériau aux Multiples Facettes

Le crayon pastel est un outil fascinant, doté de caractéristiques uniques. Il excelle particulièrement dans le graphisme et le trait de dessin plutôt que dans les aplats étendus. Ses limites techniques incluent une texture plutôt plate, un faible contraste et des coloris parfois ternes, ce qui lui confère des sonorités sourdes, évoquant le calme et la discrétion. Pourtant, c'est précisément dans ces limites que réside son potentiel inventif, invitant l'artiste à relever le défi et à bâtir un monde entier avec ces subtilités.

La superposition d'aplats au crayon pastel peut rapidement troubler l'œuvre, car l'opacité du matériau et ses couleurs non miscibles tendent à faire chuter les tonalités. Cependant, deux superpositions légères peuvent créer un excellent alliage de tonalités tendres et feutrées. Imaginez un rose et un gris subtilement superposés ; ils peuvent prendre l'aspect grenu d'un tissu de tweed, grâce aux mailles de la matière poreuse du crayon pastel qui permet à la clarté du support de remonter à travers la couleur. En monochromie ou en bichromie, le crayon pastel, décliné sous toutes ses facettes (traits, superposition de traits ou d'aplats, estompe), offre la douceur d'une texture laineuse.

Pour les grands formats, le crayon pastel exige une minutie particulière pour couvrir la surface, point par point. Ce travail méticuleux peut révéler une grande constance chez l'artiste, l'aidant à prendre conscience des potentialités de son tempérament, qu'il soit plus réfléchi que spontané, plus dessinateur que peintre, coloriste ou valoriste.

L'Art de la Superposition et des Techniques Mixtes

La tradition de la peinture au pastel recommande de commencer l'œuvre par l'arrière-plan, ou le « fond ». Cette pratique est similaire à la construction d'une maison: les fondations soutiennent l'édifice. Traiter d'abord le fond, sans le fixer initialement, apporte une matière qui va ensuite bénéficier à la définition du sujet ou du premier plan. Cette méthode réfléchie permet au sujet d'émerger de manière accompagnée, comme une naissance, dans le miroir réfléchissant des pigments de pastel.

Certains artistes, comme Degas, utilisaient la fixation entre des couches successives de pastel, parfois en grand nombre. Il est important de noter que le pastel, une fois fixé, chute de tonalité, peut prendre un aspect translucide de parchemin et sa surface peut devenir légèrement rugueuse. Cependant, ainsi traitées, les superpositions entrent en résonance avec les ressources accumulées depuis la première couche, procurant chatoiement et profondeur à l'œuvre. La dernière couche de pastel n'est généralement pas fixée afin de conserver sa précieuse « fleur », cette texture veloutée et lumineuse qui fait la spécificité du pastel.

Le pastel apprécie grandement l'alliage d'autres matériaux. L'apport de techniques mixtes enrichit le crayon pastel, notamment en augmentant les contrastes. Les crayons Conté (fusain, sépia, sanguine) produisent de chaleureuses vibrations. Les crayons Conté pierre noire (à base de schiste) et carbone modulent et approfondissent les tons. Pensez également à la gamme des craies « carrés Conté », dont les coloris sont plus intenses et liants que ceux des crayons, permettant des traits précis et une manipulation à fleur de peau, car les bâtonnets ne sont pas gainés.

N'oublions pas l'apport du crayon graphite. Surimposé au crayon pastel, il structure d'un trait argenté, modulé du gris clair au gris très foncé, le côté parfois fade du crayon pastel, tout en accrochant bien à sa surface. Le graphite possède une bonne stabilité grâce à sa texture légèrement grasse. De plus, une œuvre insatisfaisante sur papier (dessin, pastel, peinture à l'eau) peut devenir un fond incitatif à la création d'une nouvelle œuvre. Ces plages stimulent l'imagination d'autant plus que l'on ne craint pas de les « violenter », libérant ainsi le geste. Degas lui-même a réalisé des pastels aux couleurs ruisselantes de lumière à partir de ses monotypes en noir et blanc.

Maîtriser la Transparence au Pastel: Un Défi Délicat

Le pastel est par nature une technique opaque. Pour obtenir une transparence, il est impératif d'utiliser le moins de poudre possible. La transparence peut prendre de multiples aspects, mais examinons les cas sur support vierge ou déjà peint :

Sur support vierge :

• Utilisez un minimum de matière jusqu'à percevoir la trame du support papier à travers la surface pastellée pour une transparence limpide.
• Égratignez le support d'une ou plusieurs couches ténues de pastel, qui resteront comme suspendues ; la transparence sera légère et lumineuse.
• Estompez superficiellement d'un geste vif une à plusieurs couches ténues de pastel ; la transparence aura une luminosité feutrée.

Le grain mat du pastel retient la lumière, ce qui le prête à des effets translucides si on ne l'estompe pas. Il se prête également à des effets diaphanes sous la pression d'une estompe insistante qui supprime la vigueur des pigments.

Sur support peint :

L'apport de matière transparente sera minimal pour ne pas déranger l'ordonnance de l'œuvre. Les superpositions de couches au pastel ne peuvent pas s'accumuler, sauf si elles sont fixées.

Cas d'un voilage blanc sur un corps nu :

Le travail du voilage interviendra à la fin. Tout le travail de base réside dans le nu. Bien que le voilage soit blanc, il est préférable de ne pas trop utiliser le bâtonnet de pastel blanc pur. L'usage intensif du blanc, tout comme du noir (sauf effet particulier recherché), est à éviter. Le blanc « envahit » et le noir « engloutit » ! Dans ce cas précis, le haut contraste du blanc risque d'opacifier la fragile surface du voilage et de supprimer les nuances de la chair. La blancheur naîtra de la clarté du voile lui-même et de sa luminosité.

Le voile sera évoqué avec un minimum de matière et de dessin pour conserver sa transparence. C'est le fond, en l'occurrence le nu et son contexte, qui apporteront volume, ombre, lumière et mouvement. Pour le travail du voile, réservez quelques bâtonnets de pastel correspondant aux tonalités sombres et claires du nu, mais aussi de son environnement si le voile déborde des limites du corps. Dans le cas d'un drapé, le voile épousera par exemple les seins ou les cuisses en lignes courbes tendues et retombera mollement entre les points saillants en lignes cassées. Les plis du textile peuvent se présenter sous la forme d'un fin bourrelet de couleur claire: un relief opaque, fait de quelques traits superposés, cerné d'une ombre qui apparaîtra en creux, le sombre faisant ressortir le clair et réciproquement. Des hachures ou autre graphisme aérien délimiteront les volumes. Pour obtenir plus de légèreté dans les ombres, mélangez du fusain au pastel. Quelques accents de lumière au pastel clair, rehaussés d'une tonalité claire complémentaire et positionnés sur des ombres du nu, ajouteront des reflets lumineux au voile. Quelques traces légères d'estompe réalisées sur un fond uni lui donneront un flou vaporeux. Tracez les contours du voilage à l'aide de quelques lignes ondulantes, fines, discontinues, d'un ton clair ou sombre contrastant sur la couleur du fond. Enfin, pour exalter la blancheur du voilage, jouez avec la lumière: esquissez de petits traits, déposez de légers aplats de poudre ici et là, de tonalité très claire que des pointes de blanc viendront illuminer !

Il semblerait logique que pour obtenir la transparence, il suffise d'estomper le pastel. Ce n'est pas le cas ici, car en estompant, vous effaceriez les couches inférieures (des parties du nu qui n'est pas fixé), obtenant un effet opaque et brouillé. Sur un fond déjà fixé, l'estompe risquerait de rendre le résultat terne.

Le Débat de l'Estompe: Faut-il Estomper le Pastel ?

La question de l'estompe au pastel est un débat aussi ancien que la technique elle-même, avec des pratiques qui ont évolué au fil des siècles et des mouvements artistiques. Voici un bref aperçu historique et mon point de vue sur le sujet :

Historique de l'Estompe :

• XVIe siècle : Le pastel est principalement utilisé pour rehausser des dessins, à la manière d'un crayon (ex. Léonard de Vinci). L'estompe n'est généralement pas privilégiée.
• XVIIIe siècle : Le pastel rivalise avec la peinture à l'huile en excellence. L'estompe est alors largement utilisée pour refléter avec minutie le raffinement, la préciosité, l'apparat des décors et des costumes, et la carnation délicate des portraits, capturant l'éphémère de ce siècle.
• Chardin : Innove et rompt avec l'artificialité du XVIIIe siècle. Il construit simultanément forme et relief à l'aide de hachures parallèles de couleurs pures, s'éloignant de l'estompe. Par la suite, Millet et Degas (dans ses périodes ultérieures) adoptent également des hachures vives.
• XIXe siècle (Symbolistes) : Apprécient l'estompe pour ses effets de flou et de mystère, l'utilisant pour créer des atmosphères oniriques.
• Degas : Dans ses pastels du début, il estompe la couche initiale suffisamment pour qu'elle ne soit pas altérée par les ajouts de la pâte du pastel et autres traits de bâtonnet. Cependant, sa technique évolue ensuite vers une superposition de faisceaux de hachures aux coloris contrastants, réduisant l'usage de l'estompe.
• Impressionnistes : Privilégient le pastel direct pour noter les effets de lumière sur le motif, minimisant l'estompe.
• XXe siècle (Abstraits) : Exaltent la couleur du pastel en juxtaposant des plages de couleur pure, sans estomper.

Mon Point de Vue sur l'Estompe :

Estomper, c'est lier les couleurs entre elles, soit au doigt, soit à l'estompe (accessoire souvent non recommandé), pour obtenir des effets doux, vaporeux ou opaques. Cela peut être une facilité pour fondre les tonalités et obtenir un « flou artistique ». Un débutant ressent parfois le besoin d'estomper pour dissimuler des imperfections. Cependant, je pense que l'estompe dénature le pigment, lui ôte sa « fleur » et sa luminosité. Le pastel étant du pigment presque à l'état pur, ce qui est rare en peinture, le pigment posé brut, sans artifice sur le support, est un gage d'explosion de lumière.

Voici un tableau comparatif des qualités associées aux deux procédés :

Pour mieux comprendre, je vous encourage à faire l'essai de peindre deux tableaux identiques: l'un entièrement à l'estompe et l'autre sans estomper, pour constater les différences par vous-même. Vous pouvez également essayer les deux techniques séparément dans la même œuvre, ou combiner l'ambivalence des possibilités. Par exemple, écraser la matière poudreuse et poser par-dessus des hachures. Le pastel offre des variétés de texture à l'infini: traits fins, épais, droits, incurvés, sinueux, en diagonale, courts, longs, zigzags, zébrures, en pointillés, hachurés, grattés, frottés, humectés, raturés, taches, aplats, et bien plus encore.

Outils d'Estompe et Alternatives pour le Graphite (et le Pastel)

Bien que le sujet principal soit le pastel, les outils d'estompe sont souvent partagés avec le graphite et peuvent offrir des perspectives intéressantes pour la manipulation du pigment. Pour l'entretien du bâtonnet « estompe » classique, il suffit de frotter l'extrémité avec un chiffon de coton et de la passer au papier-verre fin. Cependant, l'estompe est un outil rigide qui manque de maniabilité et a tendance à écraser et figer le pigment.

Il est souvent préférable de recourir à des tortillons artisanaux. Ces tortillons conviennent mieux aux exigences de l'œuvre car ils sont souples et peuvent être réalisés sur mesure par l'artiste, notamment avec du papier buvard tendre ou du coton hydrophile. Il est également très intéressant d'estomper avec un morceau de tissu de coton tendu sur l'extrémité de l'index ; le doigt étant l'estompe la plus sensible, bien qu'il y ait un risque de graisser le support. L'estompe idéale reste le doigt nu pour sa sensibilité directe.

On peut aussi déposer directement de la poudre de graphite sur le support. Cette poudre subtile s'estompe délicatement et donne des nuances fines, vaporeuses et contrastées. À propos, dessiner ou peindre avec de la poudre de graphite diluée offre de belles tonalités argentées et une texture crémeuse. Pour la préparation du médium, il suffit de délayer de la poudre de graphite dans un peu d'eau distillée et d'ajouter une goutte de gomme arabique et une trace d'agent conservateur.

Je pense que pour donner à l'œuvre à la mine graphite toute sa respiration et son naturel, et ne pas « l'encrasser », il faut éviter de recourir à l'estompe, sauf à vouloir obtenir des effets particuliers de brillance ou d'autres textures incrustées dans le support. Pour faire apparaître des dégradés, on peut utiliser l'aplat d'un bâtonnet de graphite en modulant la pression de la main sur le bâtonnet. C'est la méthode la plus directe. Mais il y a une infinité de méthodes plus élaborées, notamment par superposition et assemblage de traits ou d'autres graphismes. Un bâtonnet de coupe rectangulaire autorise tous les cas de figure en fonction de la partie utilisée: l'aplat, l'arête, l'angle.

Foire Aux Questions (FAQ) sur le Pastel

Q: Peut-on réaliser une œuvre uniquement avec des crayons pastel ?
R: Absolument ! On peut réaliser une œuvre avec n'importe quel matériau. C'est la manière dont l'artiste communique avec le matériau qui fonde l'œuvre. Les crayons pastel, malgré leurs limites (texture plate, faible contraste), peuvent créer un monde de sonorités sourdes, de calme et de discrétion. Ils sont particulièrement efficaces pour le graphisme et les traits de dessin.

Q: Faut-il commencer un pastel par le fond ou le premier plan ?
R: La tradition recommande de commencer par l'arrière-plan (le fond), sans le fixer initialement. Cette approche aide à construire la matière qui bénéficiera ensuite au sujet principal. Cependant, il n'y a pas de règles strictes en art ; vous pouvez explorer toutes les approches. L'art est la vie de l'imaginaire, donc de toutes les libertés.

Q: Comment utiliser le pastel blanc ?
R: Le bâtonnet de pastel blanc est plus efficace sur un support de papier coloré, où ses pigments peuvent vibrer et diffuser une lumière vivante. Sur un support blanc, il est moins utile car il est ton sur ton, et la luminosité du substrat peut phagocyter la matière légère de la poudre de pastel, rendant l'œuvre plate et terne. Pour les transparences (comme un voilage blanc), évitez le blanc pur et laissez le fond et les nuances créer la clarté.

Q: Est-il interdit d'estomper le pastel ?
R: Non, ce n'est pas interdit, mais c'est une question de choix artistique et de l'effet recherché. Historiquement, l'estompe a été utilisée pour des effets de raffinement ou de mystère. Cependant, estomper peut dénaturer le pigment, lui ôter sa « fleur » et sa luminosité naturelle. Le pigment posé brut offre une explosion de lumière. Il est conseillé d'expérimenter les deux approches pour trouver ce qui convient le mieux à votre style.

Q: Le pastel est-il adapté aux grands formats ?
R: Oui, mais cela demande de la minutie. Le crayon pastel exige un travail patient pour couvrir de grandes surfaces, presque point par point. Cela peut être une expérience révélatrice de la constance et de la patience de l'artiste, se prêtant à un tempérament plus réfléchi que spontané.

En conclusion, le monde du pastel est un terrain de jeu riche en textures et en émotions. Que vous choisissiez de travailler avec des tonalités claires ou foncées en premier, que vous estompiez ou non, l'essentiel est de se laisser guider par votre intuition et de laisser votre sensibilité s'exprimer pleinement. N'ayez pas peur d'expérimenter, de combiner les techniques et de découvrir les possibilités infinies que ce médium offre. Chaque œuvre est une interrogation profonde de l'être, un dialogue intime entre l'artiste et sa matière.

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